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艺象万千国际艺术名家大展作品征集

艺象万千国际艺术名家大展

作品征集

日本 NPO 法人艺象万千文化教育学院主办

东京都美术馆、京都市美术馆、大阪市立美术馆举办各一档展览

展览档期安排


(一)大阪市立美术馆—第四展示厅

➢展期:2022年3月8日(二)-3月13日(日)

➢地址:大阪市天王四区茶臼山町1-82

(二)京都市美术馆

➢展期:2022年3月22日(二)-3月27日(日)

➢地址:京都市左京区冈崎最胜寺町13冈崎公园内

(三)东京都美术馆—ギャラリ-B

➢展期:2022年2月20日(日)-2月27日(日)

➢地址:东京都台东区上也公园8-36

本档期大会已受理举办袁金塔当代美术馆【袁金塔馆长个展】(征集已终止)

展览征集作品规格(须经大会审核):


➢西画:油画、水彩皆可,每件30号以内

➢水墨(含书法):每件3-5才

➢雕塑、陶艺:长宽限60cm以内(如需租用台座,费用另计)

展览费用:


艺术家可参展1-5件作品      单位:人民币
美术馆 第1件 第2件 第3件 第4件 第5件
东京都美术馆 9300 8370 7440 6510 5580
京都美术馆 8200 7380 6560 5740 4920
大阪美术馆 7000 6300 5600 4900 4200
注:同一名艺术家享第二件9折、第三件8折、第四件7折、第五件6折优惠。*运费自理

 *欧洲、日本等其他国家以报名汇款日之汇率计算

艺象万千负责内容:


➢大会负责展品在日本境内之运输安排。        

➢负责展品收讫及布、撤展。

➢展览同步于艺象万千网络展览馆展出、销售。

➢媒体宣传:分别于日本、台湾、中国大陆做媒体宣传。

   例:大陆有艺术类网站及自媒体平台…

报名方式:


➢邮箱:1590278315@qq.com   ➢微信:iweicang01

➢联系电话:010-87775234    ➢联系人:王女士、孙先生  

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台湾师范大学前美术系主任袁金塔教授经本校第315次校评会通过获选本校名誉教授

袁金塔教授为美术系退休教授,曾任美术系主任,并于期间成立西洋美术史组博士班及美术教育组博士班。于1970年代开创并带动台湾水墨乡土照相写实主义风潮,1977年以超写实的水墨笔法创作《蓑衣》,获得同年雄狮新人奖,成为照相写实风潮之典型代表。

2004起主办五届台北当代水墨双年展并设立新秀奖,鼓励年青人创作。2017年成立袁金塔文化基金会与袁金塔当代美术馆,推广国际艺术创作交流,而袁教授是本土培育,在台湾这块土地汲取养分卓然成家,设立专属美术馆第一人。袁金塔教授国内外多项事蹟卓著,依本校名誉教授敦聘办法国内外公认其学术及声望卓著者聘任之。

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袁金塔艺术创作手稿文献展 12月5一10日于师大德群画廊开幕首展

深藏50年的手写笔记、草图、工具、媒材由袁金塔文化基金会主办、长流美术馆等单位协办之《 纸上瞬间》 袁金塔艺术创作手稿文献展将于125日于师大德群画廊隆重开幕。同场举行专题座谈由庄坤良教授主持杨永源教授、林振龙老师和袁金塔教授舆谈。

策展人张忆芬说「从1971 2020 ,透过艺术创作人的 235 本笔记记录我们看到的不仅是心情灵感舆创作技法经历时空转移、多次巡游、回望台湾字里行间更多的是想要回馈这块土地的决心以及内心深处期许自我对这个急需展现水墨新定义的时代做出承担」

现场同时设有艺术互动区邀清大家一起在手抄纸上创作图文及玩陶经验诚挚欢迎各界人士莅临指导。

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简志雄台东都兰山画院讲座:“艺术文化、创意分享 —新孔版画的製作”

艺象万千简志雄工作室应前台东大学艺术学院林永发院长之邀,前往都兰山画院讲座如何以新孔版製作卡片、年曆作为艺术文化的创意分享。
现任加拿大🇨🇦中华文化总会理事、儿童艺术文教基金会董事长的简志雄是艺术家更是艺术教育的推广者,数十年来致力于艺术创作与教育。由于喜爱版画之艺术生活化与乐于分享,70年代即加入日本新孔版协会,曾任该协会台湾分会会长并参加该协会的国际展获铜牌奖。80年代多次前往日本学习,发现素描新孔版画,以铅笔线描即可製版,快速印出分享,非常适合各年龄层教学、节庆活动与艺术家创作分享,特引进到台湾多年,目前由台湾翰轩文教开发推广。
本次都兰山画院艺文活动在11月21日(六)下午2:00-5:00于东海岸面临太平洋的潮音小筑邀办理,数十位台东艺文人士在山海涛声里共聚一堂,交流切磋,将是一场“创意无限、乐在分享”的艺术飨宴!

艺术生活化的“素描新孔版画”易于创作与分享- –
“港都启航”简志雄为世界儿童画展在温哥华巡迴展製作分享的作品

都兰山画院由前台东大学艺术学院林永发院长主持

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艺象万千【采薇专栏】操瑞芸:四十年中香不断,日月潭到浣花溪

记者第一次见到操瑞芸老师,还是在2004年,当时她在北京的插花教室里接受采访——这位温文尔雅的台湾老师,已经作为第一位回到祖国大陆的中华花艺老师,在成都开班授课。20年来,她在美丽的成都浣花草堂之畔,和一群爱花的学生们插花、品花,传播花艺文化,也为这座有着悠久花文化历史的锦官城增添了诸多诗情画意。

01每一盘插花表现当下,不可复制

1992年,学习了8年欧式花艺与小原流花道的操瑞芸,偶然间接触到中华花艺。当时她觉得这种插花作品非常美好,让自己内心充满了惊喜与愉悦。

“当时我们有十几个同学,来到中华花艺老师陈文丞的家里上课,听着听着,我发现原来我们中国插花有这么深厚的历史文化背景。”操瑞芸感到,中国插花在汉代以及唐宋元明清,每一个朝代的花语,每一个阶段的文化史,都有着独特的代表性,越学越有探究的兴趣。在台北跟随黄永川教授学习后,她认识到插花文化已有这么多老师研习,自己也需要不断提升。

在研习中华花艺的过程中,她特别感动于中国人对花木的感情,很多老师在庭院里种植花草树木,并采撷庭院的花草做日常插花。每次去老师家里上课,虽然教案都是按部就班的,但是每位学生在创作过程中,都有他独特的个性和情绪,而在遵循着24节气插花时,每个学生对大自然植物的感知和感应也是不同的,因此每个作品的表现都是不可复制的。这种可以和花草对话的魅力是如此之大,让她在研习的过程中越来越投入。

中华花艺有着严谨的系统,整个学习过程不能着急,必须学够一定年限才能“毕业”。那是操瑞芸一生中最美好的时光——每个月从台中赶赴台北,从一开始,十几位同学共同学习,到最后取得教授资格证书时只剩五位同学。她们之间不离不弃,互相鼓励,在学习的过程中,享受插花,也享受着志趣相投的朋友之间给予的美好。“成年后的学习,还有这样一群有着共同爱好的朋友,我觉得这是人生难得的福气。”操瑞芸说。

02遵循插花中的“伦理”,感悟人生

2000年,操瑞芸来到成都,作为中华花艺第一位回到祖国大陆的老师,正式教授插花课程。2003年于幽静的浣花溪畔建立了浣花草堂,是中华花艺在祖国大陆的第一个授课教室。

“无心插柳柳成荫”,操瑞芸这样形容自己的教学历程。20年间,她不仅培养出祖国大陆第一届、第二届教授讲师,学员遍及各个城市,也每年带领学员参与海峡两岸的花艺展,并在成都举办师生大展。

在操瑞芸看来,浣花草堂的每一位学生,在学习的过程中都呈现出自己的独特个性,有的活泼,有的安静,有的对色彩非常敏感,有的对空间架构有独特的理念,学生创作的多样性和充分表达内在的特质,让她总有一种教学相长的收获感。

“中国传统文化中的人文思想,尤其是仁爱思想,还有老庄哲学,都涵盖在中华花艺的插花理念中,构成了它的文化特质。”在研习和传播中华花艺的过程中,操瑞芸也不断改变着对生命的看法,更加珍惜身边的一切。她也把这种感悟润物无声地传递给她的学生们。

浣花草堂就像一个大家庭,学生们基本都是女性,对操瑞芸就像对妈妈一样无话不谈。曾经有一个学员和爱人吵架,想要离婚,操瑞芸劝她说,一个美好的家庭,不能因为一点小矛盾就要解体,人与人之间要互相包容,就像一件插花作品,花枝高的要让出矮的,矮的要衬托出高的,前后左右都要有距离空间,在一个家庭中,夫妻子女的相处也是一样的。这样的话让学生豁然开朗,从此家庭也越来越和谐。

操瑞芸相信,插花有疗愈的作用,人在非常疲惫或者精神不好的时候,看到花那么美,在创作中慢慢地去欣赏和品味,一颗心就会逐渐平静下来。在多年的学习和授课中,她心境的变化是最大的,常常在创作作品时,与花的接触和对话会有一种沁润其中的感觉。

记得那是一个夏天,来成都也有几年了,晚餐后操瑞芸感觉闷热,突然听见“嘭、嘭、嘭”的声响。哦!原来是早上买来养在桶里的荷花绽放的声音,这让她顿时想起小时候夏天的夜晚,在眷村的小院子里,与家人其乐融融赏荷花剥莲子的场景。于是,在这个异乡的闷热傍晚,她用荷花与荷叶创作了一件作品,取名叫《故乡》。

操瑞芸常对学生说,学习插花并不是单单学习插花的技术,更多地是要去感知在生命中出现的一切事物,艺术本就是源自生活,我们也要不断精进学习,让生活中处处充满艺术感。

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纸本记——李国达个人作品展在厦门大学成功举办【艺象万千】

近日,纸本记——李国达绘画作品在厦门大学艺术学院成功首展。本次展览由厦门大学艺术学院、福建省油画学会主办,厦门大学艺术学院欧洲艺术中心、厦门大学艺术学院陈列馆承办,由艺象万千、爱微藏、中国艺维Arthub艺术网、名画记、厦门美术等单位协办,此次展览的举办对教学与学术交流具有实践性的指导意义。

本次展览共展出作品138幅,主要是作者近两年的纸本绘画,一部分是课堂随笔,另一部分是日常信手,画的既是当下,也是过往。其中部分作品诞生于2020年蛰伏家中期间,展示了艺术家的情感轨迹与创作理念。

厦门大学教授、著名油画家张立平先生、厦门大学艺术学院常务副院长吴荣华先生、厦大艺术学院美术系副主任杨寒松先生、厦门大学艺术学院漆画教研室主任刘晓杰女士、厦大艺术学院理论教研室主任童焱先生等人莅临展览现场并给予了高度肯定。

 

 

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设计师李嫱

— DBC设计师专访 —

 

有人说珠宝的美就在于它是无用的。而在当代首饰蓬勃发展的浪潮中,珠宝的“无用之用”引发人们的思考。

李嫱是一位新锐首饰设计师和艺术家,现驻于英国伦敦,毕业于英国皇家艺术学院珠宝与金属专业,工业设计的背景使她对于珠宝中形式与功能、艺术与技术之间的关系有浓厚的兴趣。

 

— 代表作品与设计理念 —

 

01

“解压盒子”系列

 

李嫱的作品常以一种灵动幽默的方式呈现,在她的“解压盒子”系列首饰中,她创造了一系列可以“玩”的功能性首饰,在这个盒子里每一件首饰都可以互动,比如用手指转动、在皮肤上摩擦按摩、捏泡泡纸、玩俄罗斯方块和迷宫游戏等等。首饰同样可以具有功能性,给人以疗愈。

 

“Wobble”

 

“Silky Smoothy”

“Squashy”

 

“Shuffle”

 

02

“瑜伽”系列

 

李嫱认为互动性和功能性是可以与美学结合的,可“佩戴”使得珠宝与身体的关系比其它产品更加亲密。她的“瑜伽”系列作品将“首饰”与“手势”相结合,来表达瑜伽的习练中的身心合一,比如Namaste合十礼以及拜日式。在她的首饰中我们可以感受到静与动的表达方式,恰到好处地将物体的状态体现出来。

“Namaste”   

 

         “Sun salutation”

 

03

“巧克力盒子”系列

 

她的设计同样热衷于探索材料的多样性和情感的表达,“巧克力盒子”系列最具有代表性。她的巧克力盒子人们第一眼看上去是一盒奢华的巧克力,当近距离观察却发现每一块“巧克力”都是一件精致的首饰,并且每一件都“暗藏玄机”。

“The Chocolate Box”

 

这个系列的设计灵感来源于电影《阿甘正传》中的一句经典台词“人生就像盒子里的巧克力,你永远不知道下一颗是什么滋味。”

 

比如这个心形的珐琅“酒心巧克力”——“Heart in heart”,打开之后发现还有一颗小的心形盒子,再打开居然里面还镶嵌着一颗心形的宝石。

“Liqueur – Heart in heart”

 

“24 Karat Gold”胸针同样给人以惊喜的感觉,并且用非常诙谐的手法将“Kitkat”的经典logo与珠宝的语言融汇在一起,打开之后里面藏着一根巧克力棒。

 

24 Karat Gold

 

“Bite Chocolate”是一款非常聪明的设计,表面上一块小巧精致的巧克力,打开之后发现链子藏在里面,两个部分通过隐藏的磁铁反方向相吸,变成了一款项链。

 

                               

“Bite Chocolate”

 

04

“Soul Topia” 系列

 

“Soul Topia” 系列是另一个对首饰中材料可能性的研究,她尝试了将传统的手鞠球工艺与羊毛毡、金属、宝石结合,打造了一个属于自己的“秘密花园”。这个项目配色大胆亮丽,充满张力和生机,做工精细,将纺织物等材料与金属完美的结合,形成了鲜明的材质对比。同样,每一款都有非常有趣的互动性,比如可以转动的星球,打开就有惊喜的”Boom bloom”,还有可以自由变换形态的手鞠项链“Soul Topia”

 

“Secret Planet”

“Boom Bloom”

 

“Dream Balloon”

“Soul Topia”

 

 

05

“Inner Voice”系列

 

“Inner Voice”系列是最能展示出她的“工业设计”背景的项目,这个系列的创作来源于听诊器,听诊器作为耳朵与心脏之间的纽带,随着岁月的变迁仍然保持着原有的使用方式,而这种人机的交互方式使她产生很大的兴趣。通过聆听人体器官发出的声音而对其作出判断是一件神奇的事情,这个系列的创作更为大胆和当代。

Inner Voice I

 

Inner Voice II

 

Inner Voice III

 

— 推荐寄语 —

 

李嫱的作品曾在多个国家和地区展出,并获得多个国内外的设计奖项。“她是一位很有潜力的青年首饰艺术家,她的作品非常多样化,但都有她独特的语言和风格,会让人觉得有趣并引发思考。”DBC国际设计师空间国际项目总策划孙浩洋这样评价道。她很好的诠释了首饰带给人们的情感和互联,并在功能、美学、材料、颜色、质感等方面都做了大胆的尝试和“碰撞”,寻找更多的可能性,她的作品同时也让我们看到了珠宝新星设计师更多的可能性,我们期待她更多优秀的新作。

 

 

 

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ABOUT DBC ——

 

DBC国际设计师空间已入驻超过百位国际珠宝设计师和首饰艺术家,资历与创意纵贯大半个世纪,横跨30多个国家和地区。为了打破传统展览的空间限制,DBC与艺象万千国际网络展览馆全面合作,在全球超过50个合作网点和超过20家网络新闻媒体同步宣传,为会员设计师提供线上线下全面的展销服务。

 “新设计、新生代、新理念”DBC国际珠宝设计师作品展由红桥市场、长流当代美术馆、纽约牧风国际珠宝股份有限公司[NOOMAD INC]联合主办,长美艺术股份有限公司、北京爱微藏科技有限公司承办,十余家海内外艺术组织协办,联动北京国际设计周、中国国际珠宝展和艺象万千国际网络展览馆。作品设计风格具有当代性、国际性和多元化的特点,促成了东西方文化的交流与对话,无疑是一场珠宝设计盛宴。

DBC官方邮箱 dbc_info@yeah.net 

 

 

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DBC国际设计师专访

Everything has changed in 2020. The world has turned upside-down by a globe pandemic. What do we do? As a jeweller, what can we do in this ‘magic’ 2020?

 

2020年,一场全球性的流行病打乱了平静的生活。当一切开始回归正轨,一些国际首饰艺术家们用创作展现了他们对世界的看法,对未来的期望。

 

As curator and art director Herman Sun said ‘We are living in different areas around the world, but we do believe jewellery. I believe contemporary art jewellery sometimes was more than jewellery itself, it is a powerful spirit more than the objects.’ 

 

策展人兼艺术总监Herman Sun孙浩洋说:“我们生活在世界各地,但我们相信首饰艺术。我相信,当代艺术首饰有时不仅仅是首饰本身,它更多在于被寄托其中的精神力量。

 

 

Under this concept, we start this project. We invite contemporary jewellers around the world film their professional practice and edit into a documentary. The video will be showen during the Beijing Design Week 2020, which is also the 600 years’ birthday of Temple of Heaven (Est.1420) and the final stop of the Growth & Evolution International Jewellery Exhibition. (It also available on: www.dbc.red/)

 

在这个概念下,我们开始了这个项目。我们邀请世界各地的当代首饰艺术家拍摄他们的作品及其创作过程,并剪辑成纪录片。该视频将在2020年北京设计周期间的DBC国际设计师空间的媒体展厅播放展示。

 

Participating artists are the following:

参展艺术家:

Mabel Pena

Maja Houtman

Agnès WO

Into Niilo

Nadejda Policarpova

Supavee Sirinkraporn

Khajornsak Nakpan

Daniel Von Weinberger

Tamara Zecevic

Agostina Laurenzano

Lodie Kardouss

Mette Olsen & Tinne Delfs

Mohsen Amini

Wiebke Pandikow

Qianwen Lu

Fabiana Gadano

Isabelle Carpentier

Juanjo García Martín

 

“My Way” — Daniel Von Wein berger

 

Mabel Pena rowing along the Tigre River Delta

 

“Jewelry art from recycled plastic bags” — Wiebke Pandikow

 

A documentary about contemporary jewellery broadcasts to the public is unprecedented in China. And yet every video we receive is a unique and complete project from all talents. It puts a lot of pressure on me as the producer to bring all them together in a single film. 

向公众放映一部关于当代艺术首饰的纪录片,这在中国是前所未有的。我们收到的每一个视频都是来自国际当代艺术首饰界出色人才的独一无二的高完成度的作品。作为制片人,要把所有这些元素都集中在一部影片里,这给了我很大的压力。

 

Instead of just showcasing the work itself I concentrate on revealing the practicing process from the very beginning. I hope it can make a better understanding of what is contemporary art jewellery for our audiences. I also invite a young music talent(Chuan Luo) create this water like music for this project.

我着力于从作品最初的形态揭示它的创作过程,而不仅仅是展示作品本身。我希望这部纪录片能让我们的观众更好地了解什么是当代艺术首饰。为此,我还邀请了一位年轻的音乐天才(Chuan Luo)为这个项目创作了这首行云流水般的配乐。

 

Every project starts from somewhere. It may be meandering in an anonymous alley or a rowing experience along the river delta. From tides to trees, from rock to metal, artists extract fragments of memory and cutting into the new jewels to be seen.

每一件作品都来自一个灵感的火花。它可能迸发于在一条无名小巷中漫步时,或者是在三角洲划船时。从潮汐到树木,从岩石到金属,艺术家们提取记忆的碎片,切割成富有新意的首饰供人欣赏。

 

There are pearls made from books, rocks created by chemistry formula, necklaces comprehend with the human body, they are voices from every artist. Their voices for the hope and future.

有由书本制成的珍珠,由化学公式合成的石头,由模拟的人体部件组成的项链,这些都是来自艺术家们的声音,表达了他们对未来的期待。

 

—— Producer 解隽

 

biodegradable brooch by Agostina Laurenzano

 

book make pearl necklaces by Mette Olsen & Tinne Delfs

 

performing arts and jewelry by Lodie Kardouss

 

“The theme ‘Hope & Future’ is as old as humanity. It immediately reminded me of Pandora’s box, her curiosity let disasters escape and spread over the earth, but hope remains in the box. My brooch grew in my hands, branching gently outward and billowing back in, curious about the future of the world.”

“ ‘希望与未来’的主题和人类历史一样古老。这让我立刻想到了潘多拉的盒子,她的好奇心使灾难在地球上肆虐,但盒子里还藏着希望。我的胸针在我的手中长大,轻轻地向外分支,然后又向内翻腾,对世界的未来充满好奇。”

 

——Maja Houtman

 

“Hope” — Maja Houtman

 

“ ‘Anattata’ means everything is non-existent, like the two sides of the Möbius strip, but there actually is no separation; ‘hope’ and ‘future’ are not distinct and together form our beings.”

“ ‘Anattata’是‘不存在’的意思,就像莫比乌斯环的两边一样,但实际上并没有分离;‘希望’和‘未来’并不是泾渭分明的,它们共同构成了我们的存在。”

 

——Supavee Sirinkraporn

 

drawing by Supavee Sirinkraporn

 

“ The reason I’m in love with contemporary art jewellery is that it’s jewellery but also more than just jewellery. A small decoration on the body but contain strong power, special meaning and unique story. ”

“ 我喜欢当代艺术首饰的原因在于,作为首饰,它不仅仅是装饰品。一件佩戴在身上的当代艺术首饰蕴含着强大的力量、特殊的意义和独特的故事。”

 

“The use of transformed PET (polyethylene terephthalate) into jewelry pieces is an attempt to reflect on current values concerning environmental care and the consequent quality of life.”

“ 我使用回收再造的PET制作首饰,是出于‘对当前的环境保护就是在提升未来的生活质量’的观点的反思与尝试。

 

—— Fabiana Gadano 

 

Fabiana Gadano  in her studio

 

“For me, making contemporary jewelry is like a small liberation, it is taking out all those demons that one carries inside, because throughout our experiences, because life is not wonderful, life really is a feeling, a walk, you can feel life , feel death, feel joy, sadness, generate inner peace, for me it is a way to get those emotions or energy and transform it into forms of contemporary jewelry pieces.”

“ 对我来说,制作当代首饰的过程就像一次自我释放,放出人类本性中隐藏的小恶魔。因为我们经历的日常生活并不完美,人生就是一场体验,一趟旅程,我们在这之中感悟生命,感悟死亡,感受喜怒哀乐,最后获得内心的平静。对我来说,制作当代首饰就是一个将这些情感与能量物化的过程。”

 

—— Juanjo Garcia Martin

“Invented place” — Juanjo García Martín

 

“I try to manage the language of emptiness and fullness to put my pieces in tension and poise, to explore the relationship between object and scale. Working with scale, I adapt tectonic to human anatomy.”

“ 我试图驾驭虚与实的语言,让我的作品保持紧张与平衡,探索物体与比例之间的关系。我专注于研究作品的尺度,使其构造适应人体结构。”

 

—— AgnèsWO

work by AgnèsWO

 

“I use Soil as an Innovative Biomaterial to Create Neckpiece Inspiration from Thai Headdress.”

“我将土壤作为一种创新的生物材料,从泰式头饰中获得灵感,创作项链。”

 

——Khajornsak Nakpan

“Chada Din” — Khajornsak Nakpan

 

“I design my jewelry as sculptures without ever losing sight of the fact that they must have a connection with the body and that the person must move and live with them.”

“我以雕塑的形式设计我的首饰,我自始至终坚持首饰必须与身体具有密切的联系,必须在日常生活中可佩戴。”

——Isabelle Carpentier

Isabelle Carpentier a summer day at work

 

“This work is about self-love and self-acceptance. It’s a small research about being a human, an effort to accept and embrace it with all the vulnerability, fragility and imperfection.”

“这个作品是关于自爱和自我接受的。这是一个关于人性的小研究,努力去接受和拥抱人性的脆弱、脆弱和不完美。”

——Into Niilo

“Currents, featuring kinetic ring” — Into Niilo

 

 

Growth & Evolution exhibition and the Hope & Future project both been upgrade to DBC international designer space, a permanent showroom which will become a long-term venue for the Beijing design week. 

“Growth & Evolution(生长与进化)”展览和“Hope & Future(希望与未来)”项目都被DBC国际设计师空间收录,在2020北京设计周期间展示。

 

Every piece is an encounter, every story is waited to be found. We welcome all international artists become our member and to join our future activities. We are open for group exhibition, solo show and workshop etc.

每件作品都是一次相遇,每一个故事都等待着被发现。欢迎世界各地的艺术家加入DBC国际设计师空间,参与我们未来的活动,包括开放团体展览、个展及工作坊等。

(LOGO动图)

all host, organizer and co-organizer

所有主办、承办与协办单位

 

 

 

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国际华人艺术教师夏日大连线

国际华人艺术教师夏日大连线

让艺术教育运用科技,突破时空、国界,

牵繫起大家的关注与交流!

世界华人美术教育协会(WCAEA)国际部为了服务遍布全球的华人美术教师,首次推出国际性质的暑期线上讲座,主题是:世界华人美育-国际多元对话 (Global Conversation of World Chinese Arts Education)。本讲属公益性质,全球同步

2020年6月27日(星期六)在多个国家不同时区同时进行

首先是透过ZOOM 的线上会议由主持人魏意雯 Host:Yiwen Wei引言:

「我们生活在一个全球互联的社会中,您是否好奇其他国家和地区的美术教育现状呢?世界华人美术教育协会国际部举办第一场夏季公益讲座,邀请到五位来自不同国家和地区的知名美术教育专家,代表他们的协会与机构,各自分享当地的美术教育现状,以及该协会与机构对当地艺术教育的贡献。」

同时介绍本次的讲座嘉宾. 接著由陈怡倩主席谈本会的历史源流始于前联合国教科文组织理事以及前国际艺术教育学会主席郭祯祥博士1998年在北京的国际会议发起创立海峡两岸美术教育交流会为本会之起步. 接著几位各国专家代表逐一报告有关各国艺术教育概况与特色:马来西亚少儿美术教育协会主席陈辉文老师提到:播种梦想中前行的推动本土艺术教育。

土耳其国家艺术教育协会(GORSED)韦达.奥斯威 博士DR. VEDAT OZSOY描述土耳其VAEA透过社交媒体与电视组织教育活动。

国际艺术教育协会亚洲区代表洪咏善博士谈艺术的在地性全球性与未来性并以美的觉醒来关怀生活情境。

中国社会美育联盟会员单位代表郭晟老师探讨社会美育和艺术创新,以美育、体育、艺术融通教育,尤其在家庭美育的推展.

菲律宾教育文化处主席罗伯特・海登二世 博士DR. ROBERT HAYDEN JR. 阐述:「

 ARTS艺术发展以协助菲律宾青年加强文化与科技的价值作为菲律宾教育体系的重要组成部分.」嘉宾报告后,留下时间作问题讨论,发言热烈,延后了一段时间才结束这场夏日大连线的分享交流活动。

预告下次主题为:七月:小学儿童美术教育Global Conversation: Elementary Arts Education

 

 

 

 

 

 

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DBC国际设计师空间 | 金属与首饰艺术的多维乐章

新设计,是新锐前沿的创意,

展现未来国际珠宝设计风向标;

新生代,是精英的珠宝设计师,

汇聚时代发展的声音和力量;

新理念,是创新的空间交流模式,

搭建沟通和碰撞的桥梁。

    DBC国际设计师空间已入驻超过百位国际珠宝设计师和首饰艺术家,资历与创意纵贯大半个世纪,横跨30多个国家和地区。为了打破传统展览的空间限制,DBC与艺象万千国际网络展览馆全面合作,在全球超过50个合作网点和超过20家网络新闻媒体同步宣传,为会员设计师提供线上线下全面的展销服务。

    “新设计、新生代、新理念”DBC国际珠宝设计师作品展由红桥市场、长流当代美术馆、纽约牧风国际珠宝股份有限公司[NOOMAD INC]联合主办,长美艺术股份有限公司、北京爱微藏科技有限公司承办,十余家海内外艺术组织协办,联动北京国际设计周、中国国际珠宝展和艺象万千国际网络展览馆。作品设计风格具有当代性、国际性和多元化的特点,促成了东西方文化的交流与对话,无疑是一场珠宝设计盛宴。

    本栏目将持续推送入驻的优秀国际珠宝设计师和首饰艺术家作品,期待您的关注。

 01 

Andy Lowrie

美国

    擅于思考身体与建筑空间装饰的装饰关系;在制作过程中探索和体会材料的潜力;

Andy Lowrie is an artist thinking about adornment and decoration in relation to the body and architectural spaces. He makes sculptural and wearable objects, works on paper and paint based installations that disrupt existing sites. His practice began in Australia at the Queensland College of Art, Jewelry and Small Objects Studio, where he earned his Bachelor of Fine Art in 2011. He went on to co-found the contemporary jewelry studio, Bench, in 2012 before  relocating to the United States of America in 2016.

Andy is interested in contemporary expressions of craft that challenge hierarchies of material value and embrace a mindful exploitation of material and process. In acts of mark making, surface manipulation and erasure he explores the potential of process as metaphor. His work has been exhibited in Australia, China, Italy and North America and has been professionally recognized with awards from Brooklyn Metal Works in New York and My-Day By-Day Gallery in Rome. He is currently an MFA Candidate in the Craft/Material Studies department at Virginia Commonwealth University with an expected graduation date of May 2020.

– Statement –

As a world unto itself, the studio is a place of movement in much the same way as the world it exists inside of. It is a space where bodies move around, beside, into and through each other.  It contains the artists’ body, visiting and temporal bodies, material bodies and invisible bodies. Together and apart, they improvise an unending dance of production, performing in stops and starts, at changing paces, in action and reaction.

    工作室就像一个世界,有形的和无形的物质在之中不停运作——忙碌的艺术家、来往的参观者和不停流动的时间。表演一直在进行,人们不断地加入和离去,就像一场无休止的即兴舞剧,不断产生新的节奏,并作出行动和反应。

Cut, Bend #3 Brooch

胸针《裁剪与折叠 #3》

Brass, steel, enamel paint

黄铜、钢、釉质涂料

18.4 x 14.6 x 10.6cm, 102.8gm

As a place to begin, twisted scraps of paper are elevated from the studio floor to the bench, enacting a shift in definition from offcut to paper model. However, a beginning is a flawed description of process. This work is more suitably framed as a continuation, as it is derived    from previous making processes. With a new identity as paper models, the scraps are repositioned to describe the form another material will take. The unexpected paper form   dictates intention to hammer and brass. As paper, the forms contract and relax, whereas in brass, they are held in stasis. It is the decisive hands of the maker that influence how unyielding metal and impressionable paper will come together in response to the human body. The resultant forms are dressed in layers of color that hug tight to them like a skin and which are revealed in part by a cutting away.

    这一系列作品可以看作是传统工序的延续——从前,工匠用纸张定位金属的切割和塑形;但Andy的作品中,纸张被采用为材料的一部分,成为金属的皮肤,保留了美妙的层叠的颜色。

 

Cut, Bend #1 Brooch

胸针《裁剪与折叠 #1》

Brass, steel, enamel paint 

黄铜、钢、釉质涂料

9.5 x 9.8 x 2.8cm, 46.5gm

Cut, Bend is a series of brooches that is not about planning. It is work that drifts in unpredictable directions, fumbling over itself in search of a finality that it might never achieve. How am I to know when it is finished? Embedded in the making process is an embrace of the unfinished and a desire to see one body affecting another. Running parallel to each other, states of thinking, making and being hold permanence and impermanence together. These objects sympathise with our journey, as people, of negotiating life with each other. While the work has a strong material presence, it is really about gaining insight into the way we make ourselves.

    “Cut, Bend”这一系列胸针,抛却了严谨的规划,任由作品向不可预测的方向发展,摸索着寻找一个可能永远无法实现的最终目标。

    “我不知道它什么时候完成,但我享受制作的过程,拥抱未完成的状态,我的作品中保留了过程和结果。重要的不是物质存在,而是实现它的过程和方式。”

 02 

Miao He

中国

EDUCATION

M.F.A. Jewelry Design

SCAD- Savannah College of Art and Design. Savannah, GA, 2015-2019

B.A. Prpduct Design

BIFT – Beijing Institute of Fashion and Technology. Beijing, China. 2009-2013

EXHIBITION(2019)

American Craft Show, Baltimore, MD, USA, FEB 22-24

AUTOR Jewelry Fair, Bucharest, Romania, APR 20-2

Smithsonian Craft Show, Washinton, D. C. USA APR 25-28

Collectiva Meeting International Exhibition, Porto, Portugal, SEP 21-0CT3

Smithsonian Craft 2wear Show Washinton D.C. USA, OCT3-5

JOYA Art Jewellry objects, Barcelona, Spain, OCT 10-12

Philadephia Museum of Art Craft Show, Philadephia, PA, USA, Nov 8-10

“Paradox” M EA thesis Exhibition, Savannah, GA, USA. NOV 14-16

SCAD Jewelry Pop-up, New York, NY, USA, NOV 19-22

– Statement –

    “花开”系列胸针是我2017年的系列作品,灵感来源于之前的蒜皮珠宝。蒜皮作为厨余垃圾,通常被丢弃。但不妨碍它存在着独特的美感:轻薄,自然纵横的肌理,很像花瓣。这使我产生用蒜皮作为花瓣制作花朵的概念。然而蒜皮作为有机材料十分脆弱,不能作为珠宝形式永久存在。于是我用925银,通过锻造,去模仿蒜皮的厚度和自然肌理,才有了这系列“花开”纯银胸针。

This series of brooch is made by outside layer of garlic peel and sterling silver with the nitrocellulose enamel paint for coloring in the year of 2017. The inspiration is from my previous garlic set and uses natural material to show the unique beauty of the material itself. Garlic peel for me is fascinating because of its texture, thickness and organic look. Yet it is too fragile and it couldn’t be preserved long enough as a jewelry piece. Then I created a new collection of “garlic” pieces, and this brooch is part of that collection.

Bloom 03

12cm.12cm.6cm

Silver

    超薄的银花瓣是使用24ga厚度925银片制成。先将银片裁成较小的花瓣大小,多次动过压片机压薄。之后再用锤子分别锻造每一片花瓣,使每一片花瓣都具有自然的肌理,薄厚。花蕊部分,是纯银丝制成,之后再将每一片花瓣同花蕊焊接一体。然后将几片花瓣攒成一束小花瓣,整体焊接,最后一步将一束束小花瓣束焊接到底部。

The ultra-thin silver petals were constructed using a silver sheet of regular thickness. I put the first sheet through the roll mill many times until it reached the necessary thinness.  After that, each petal was forged separately by being cut in the required shape. The stamen part and petals were first soldered individually, then several were soldered together as a bunch. Finally, the bunch of petals was soldered to the base.

Bloom 02

16cm.15cm.7cm

Silver

    苗根据她的生活理念创作珠宝。她相信生活中的一切都会衰退:它受到时间的影响,并且会随着成长过程的一部分而改变和恶化。当事情不再原始时,所有腐朽的细节都留在表面上,并建立一种特殊的美学。

 Miao creates her jewelry based on her life philosophy. She believes that everything in the life decays: it is impacted by time and will change and deteriorate as part of the growing process. When things are no longer pristine, all the details of decay remain on the surface and build a special aesthetic. 

 03 

Taizen Wada

日本

– Statement –

    Taizen的职业生涯始于一家大型日本珍珠首饰公司,之后在东京成立了自己的工作室,设计和制作高端珠宝。

I am a Japanese artist who mainly makes jewellery works. My professional career started with a big Japanese pearl jewellery company. Then I established my own brand, had a studio showroom in the centre of Tokyo, and started to design, produce and sell mainly high-end jewellery.

    Taizen将剑饰与世界艺术史的精髓融入日本传统金属工艺,深入思考日本文化与工艺的关系;并于2017年进入皇家艺术学院深造,创作不局限于“珠宝”的作品。

On the other hand, I learned Japanese traditional metal craft techniques and made works. In addition, I began researching sword decoration by touching its history. That gave me the opportunity to study the history of art in the world and to think deeply about Japanese arts and crafts. Through this research, I understand that this also leads to the history of art in the world, and I entered the Royal College of Art in 2017 to create works as an artist that is not limited to jewellery. I have now mastered various expressions such as video, photos, Japanese calligraphy, painting, installation, etc., and reflected them in my work.

    “我希望有机会在制作过程中发现一种新的方法,而不是将部分制作成以前执行的设计。我想运用高超的技能、流程和技术,按照我的直觉(或内心眼光)来传达给别人。”

I would like to have an opportunity to discover a new approach during the process of making, rather than making the pieces to a previously executed design. And I would like to use great skills, processes, and techniques and act on my intuition (or inner vision) what I want to convey to others.

— 01 —  IROGANE Ring

silver, shakudo, mokume, black diamond, etc..

    IROGANE戒指是Taizen用金属画的画。框架中的每片金属都是手工制作的,Taizen将日本传统技艺与现代生产技术结合,表达他对传统技艺的敬意,也是他对新领域的挑战。是一件专注于工艺突破的作品。

IROGANE Ring is a painting an artist Taizen Wada draws with metal. Each metal in a frame is made by hand, which will make everyone fascinated. This technique is an advanced metal art technique that has been sticking since Wada started making jewellery. If it used only this technique, it would be considered to be ordinary traditional craftworks. However, Wada produces works with a totally different approach by using the jewellery production skill it has developed. This is strong, beautiful and elegant work with excellent union of Japan’s ancient and modern metal, refined and flowing details of a ring, and effective arrangement of the diamonds, which will give viewers thrill. It is the homage to the traditional technique transmitted from ancestors and the artist’s challenge to the new area where the craft is transformed into jewellery.

— 02 —  KOTONOHA Brooch

Brooch / german silver, laser engraving, Japanese hand engraving

In recent years I try to make a work with words and letter motifs using metal. I think a letter is the ultimate form of the physical expression reflecting one’s mind. I am interested in the design of the letter, which developed as a tool with the words that represent people’s feelings, and metal expression their presence. I have been using any possible technique in order to create jewellery with a letter for information and an emotional display.

    近年来,我试图用金属制作一个文字和字母图案的作品。我认为一个字母是反映一个人思想的物理表达的终极形式。我对这封信的设计很感兴趣,它发展为一种工具,用代表人们感情的词语来表达他们的存在。我一直在使用任何可能的技术,以创造珠宝与信的信息和情感显示。

In the Japanese language, its call “KOTONOHA” “KOTO” means “say” and “HA” means “leaves of the tree”. The Japanese kana (letters) and alphabet belong to a genre of the phonogram. However, these two letters developed a very different way. Letter shapes are architectural and have a strong constant regularity. In contrast, kana letters play like the flow of water lengthwise.

    在日语中,”KOTONOHA”的”KOTO”的意思是”说”;”HA”的意思是”树的叶子”。日本假名(字母)和字母属于声名的一种流派。然而,这两个字母的发展方式非常不同。字母形状是体系结构的,具有很强的常量规律性。相反,假名字母像流水一样长。

Small details and matte texture is only possible with laser printing. However, the result of hand engraving cannot achieve by laser printing. These are my just experiment. Alphabet and Japanese kana letters fuse in a contrasting element in the one world. This contrast of alphabet and kana letters, also between hand engraving and laser printing is what I would like to express in my work. 

只有激光打印才能同时实现微小的细节和哑光纹理。然而,手工雕刻的质感是激光打印无法实现的。这些只是我的实验。字母和日文假字母融合在一个世界中对比的元素。这种字母和假名字母的对比,也是手雕和激光打印之间的对比,是我想在我的作品中表达的。

— 03 —  The Infinity Black

Body Jewellery/ iron, Swarovski, magnet

I have been practicing Japanese metalsmithing techniques for over 20years. During my MA at the RCA, I have seen the ambiguity of the physical body and seen how it decays to the infinity. A heart that radiates infinite radiance, glass that is always fragile, iron with quietly decaying character. I believe material and the inherent story of its life should inform how techniques are applied and for what reason. ‘The Infinity Black’, is based on several pieces of rusty iron I found at the Thames riverside in London. These pieces are hard to change after being aged by time. I have used Japanese techniques to induce colour to the rust. In Japan, black means infinity, and to me, the infinity swallows iron, birthing out of nothing and to return to nothing. I wish to present the moment of disappearing, that is the beauty of infinity black.

    我练习日本金属匠技术已有20多年了。在RCA的硕士期间,我看到了身体模糊性,看到了它是如何衰减到无穷大的。一颗散发无限光芒的心,总是脆弱的玻璃,铁与悄无声息的衰败性格。我相信物质及其生活的内在故事应该说明技术是如何被应用的,以及原因是什么。”无限黑”,是基于几块生锈的铁,我在伦敦泰晤士河畔发现。这些碎片在老了一段时间后很难改变。我用日本的技术来诱导颜色生锈。在日本,黑色意味着无穷大,对我来说,无穷大吞下铁,从无到有,什么都不要回来。我想呈现消失的时刻,这就是无限黑色的美丽。

 04 

陈明远

Mingyuan Chen

中国

1992年生

2015年毕业于中央美术学院获学士学位。

2015年获中央美术学院毕业设计一等奖。

2015年千里之行——中央美术学院毕业生优秀作品展。

2016年日本东京艺术大学工艺课雕金(首饰)专攻第一研究室研究生修了。

2017年北京国际首饰艺术展。

2018年五感觉醒青年设计师作品邀请展。

2018年《珍物展-2018春》国际金属工艺首饰展。

2018年日本宝饰协会《JJA JEWELLERY DESIGN AWARDS 2018》东京展。

2018年日本山梨县首饰博物馆展。

2018年《冰与火的集淬——现代金工与玻璃艺术展》。

2019年珍物首饰艺术画廊签约艺术家。

– 设计说明 –

作品名称:《川口之光》

材料:银/镀金/钢

说明:川口是我在日本曾生活过的地方,我把留在脑海里川口夜晚的光感制作成首饰,既作为记录的形式存在,亦为呈现首饰在光线下的金属之美。

《川口之光 6》

《川口之光 4》

《川口之光 3》

 05 

Erik Blomqvist

瑞典

Dalarna – Sweden – 1989

Educatation

2017 – 2020 Khio, Art and Crafts, Metal and Jewellery art. 

2016 – 2017 Leksands folkhögskola, Metal/Silversmi thing.

Exhibitions(2019)

Herdet, Gallery Seilduken, Group exhibition 31 okt – 3 nov. Oslo, Norway

Athens Jewelry  week, Ilias  Lalaounis  Jewelry  Museum, 22-27  May. Athens, Greece.

Gallery  Format,  Materialized,  a jewellery  project  by metal  and jewellery students at the art and craft department, khio. Sigurd Bronger Studenter, 17 January – 10 mars. Oslo, Norway.

– Statement –

I work with jewellery, mostly rings and my preferred materials are steel and silver. In my steel works I use traditional blacksmithing techniques when I explore the qualities of the material, I want to capture the power of the material, I want the wearer to feel it. When I make a ring, I have an idea about a direction or a shape i want to achieve but i let the material show the way

    我主要制作戒指,我喜欢的材料是钢和银。在我的作品中,我采用了传统的金工工艺去探索金属的质感。我想捕捉金属的力量感,让佩戴者感受它。在我制作戒指的时候,关于造型我有一个大概的方向,但更多的是顺应材料自身的呈现效果。

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